Nueva Colección
Padres oscuros
¿Qué ocurre cuando el amor es incapaz de salvar a quien debería proteger?
La tragedia griega imaginó nuestros vínculos antes que nosotros. Inventó un lenguaje para nombrar aquello que aún nos duele: los gestos que fallan, el amor que llega tarde, la herencia emocional que cada familia transmite sin saberlo. En estas siete escenas, los mitos se despejan de templos y dioses para volverse piel, sombra, respiración. Lo que permanece no es la épica, sino la fractura íntima entre padres e hijos: la herida que cruza generaciones.
Los personajes de esta serie —Midas, Medea, Layo, Edipo, Antígona, Agamenón, Orestes, Teseo— no aparecen como héroes ni monstruos, sino como figuras humanas arrastradas por el miedo, la culpa, el mandato o la pasión. Sus tragedias no son antiguas: son el subtexto emocional de lo que aún sucede en nuestras casas, en nuestras infancias, en nuestras memorias. (Ver en Colecciones)
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Near, not.
NEAR, NOT explora el umbral entre dos presencias que se rozan sin tocarse: el rostro humano y el rostro escultórico. Ambos comparten forma, escala y frontalidad, pero pertenecen a órdenes distintos del tiempo y de la experiencia.
La piel —viva, porosa, vulnerable— se enfrenta a la piedra —erosionada, silenciosa, persistente— en una proximidad extrema que no busca fusión, sino tensión. No hay diálogo narrativo ni metáfora explícita: hay coexistencia.
Estas imágenes no hablan de identidad como reflejo, sino como fricción. El otro no confirma al yo: lo interroga. La cercanía no garantiza comunión.
El título introduce una negación decisiva: near, not. Cerca, pero no. Próximo, pero irreductible.
En esa distancia mínima habita la conciencia: la certeza de que lo humano solo se reconoce plenamente cuando acepta aquello con lo que nunca podrá confundirse. (Ver en Colecciones)
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Y la orquesta siguió tocando…
En Y la orquesta siguió tocando, la catástrofe no es un accidente ni un fondo espectacular: es el estado del mundo. La ciudad arde, colapsa, se descompone. Sin embargo, en medio de los escombros, los músicos permanecen. Afinan. Leen partituras. Sostienen la forma.
Esta colección no retrata la negación ingenua de la tragedia, sino una decisión consciente: la de preservar lo humano cuando todo invita a abandonarlo. Aquí no hay distracción ni ironía cínica; hay una resistencia silenciosa. La música no salva la ciudad, pero salva algo más frágil y más decisivo: la civilización como gesto.
Porque tocar no es una estrategia de evasión, sino una forma de responsabilidad.Los músicos —vestidos de gala entre ruinas— encarnan una paradoja esencial: cuando el orden externo se disuelve, el acto estético se vuelve un acto moral. La belleza deja de ser ornamento y se convierte en último bastión. No como consuelo, sino como afirmación.
Y la orquesta siguió tocando propone así una pregunta incómoda y urgente: ¿qué vale la pena sostener cuando ya no hay garantías? (Ver en Colecciones)
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Mi relación con las artes visuales no es nueva, aunque ha sido, hasta ahora, menos extrovertida que mi vocación por la escritura. Podría decir que como un gran arco argumental que comienza en mi niñez, finalmente me encuentro aquí dedicado a la imagen, tardíamente, aunque habrá que creer eso de que “nunca es tarde”.
Egresado de Historia del Arte de la Universidad de Buenos Aires, tuve a los medios de comunicación como mi relación formal y a la literatura y el dibujo como mis relaciones clandestinas, pasionales y culposas. Luego de publicar una novela (Sutil Agua), dos libros de cuentos (Cien Palabras, Cuentos Privados) y retirarme de la vida profesional activa con los medios, descubrí la que sería mi obsesión full time de esta etapa de mi vida: el Diseño Asistido por Inteligencia Artificial o Arte Generativo.
No intento hacer una defensa teórica del medio, porque la definición de “lo que no es arte” ya tiene demasiada literatura fallida en la historia. Yo siento, hoy por hoy, que puedo convocar a los fantasmas de la historia visual de la humanidad con una herramienta en la que mente y mirada crean belleza y significado con engañosa facilidad. Los retoques y adiciones forman parte del secreto del oficio.
A riesgo de sonar reaccionario, creo que el ámbito de las artes visuales es la contemplación. Parece una obviedad, por otra parte, pero el mercado seduce a los artistas generativos con la comercialización de su arte como NFT, una partícula virtual, una cripto existencia que no está hecha para la contemplación sino para el coleccionismo. Un ámbito donde no entran la crítica, la historia, el placer: sus leyes son las de un mercado de valores, tramposo y confuso, pero sobre todo: invisible. Mi obra colgará en algunas paredes, así como está en las redes sociales, abriendo ventanas.
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Sala Marte, la galería digital (y física) que expone y promueve artistas plásticos, tuvo la gentileza de hacerme esta entrevista, para indagar en las razones y prácticas de alguien que trabaja con IA, ese enemigo sospechoso del arte tal como lo conocíamos hasta ahora.
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Mario Pinto Arte 